70 años de "Gone With The Wind".Un homenaje a Walter Plunkett.

Se cumplen 70 años del estreno de "Gone with the Wind" y este blog rinde tributo a Walter Plunkett,creador del diseño de vestuario para esta película inolvidable.

Entre 1937 y 1938 David O.Selznick,productor de la película, estudió los figurines de diferentes diseñadores.La corta lista de Selznick contemplaba nombres como Gladys Calthrop, Mabel Downs, Helene Ponds, Czettel y Adrian. A la cabeza de la lista estaba Muriel King,cuyos dibujos Margaret Mitchell,autora del bestseller, había visto durante el viaje que George Cukor hizo a Atlanta.
King regaló uno de sus dibujos a Mitchell: un boceto de Scarlett en el porche principal de la casa de Miss Pittypat.Mitchell respondió entusiásticamente y escribió a King:"He visto muchos bocetos de Scarlett y escenas de guerra,y ninguno me ha llamado tanto la atención como el suyo".Unos mese después ,Selznick escribió una carta a Muriel King en la que le expresaba su interés en ella para participar en la película.
Selznick tenía que producir un vestuario para una película mítica en color,todavía no muy usado en aquella época.El meticuloso modo de trabajar de Plunkett era ideal para recrear los trajes para los personajes secundarios y para los cientos de extras,pero no realizaría el "espectacular" vestuario que Selznick quería para el personaje de Scarlett.Cuando Plunkett enseñó a Selznick sus bocetos de los trajes de la protagonista,se disiparon todas las dudas.

Walter Plunkett era conocido en Hollywood como una autoridad en trajes de época.Katherine Hepburn,con quien Plunkett había trabajado en varias producciones y quien además estaba muy interesada en el papel de Scarlett O'Hara,le recomendó el libro de Margaret Mitchell ,tan pronto lo leyó sus agentes,Lichtig y Englander,escribieron a Selznick sugiriendo a Plunkett como diseñador de vestuario para la película.
"Hice para Kate Hepburn "Little Women"_Dijo Plunkett en una entrevista concedida en 1981_"Selznick me conocía por esa película e inmediatamente,de hecho al día siguiente de recibir la carta de mis agentes,me requerían para la película".Desbancó así a Muriel King del cargo de responsable de vestuario.

El contrato de Plunkett se distribuía en cuatro meses de preparación de los diseños y recopilación de fuentes,no remuneradas económicamente.Ocho semanas de preproducción por las que el estudio le pagaba 600 dólares a la semana y 750 dólares por cada semana de rodaje.
Con la ayuda de Margaret Mitchel,Plunkett supo como las mujeres se confecionaban los trajes durante el bloqueo.El Museo de las Hijas de la Confederación en Savannah y Charleston proporcionó a Plunkett trozos de telas cortadas de los dobladillos de aquellos trajes que aún se conservaban.Plunkett también pudo ver como aquellas mujeres usaban cáscaras de nueces y piedras como botones y ramas de espinos como broches.
Plunkett dobló el tamaño de los minúsculos estampados de las auténticas telas de la época para que la cámara pudiera captarlo sin dificultad.El traje blanco con estampados verdes primaverales que Scarlett usa al comienzo de la película,en la secuencia de la barbacoa,es un ejemplo de este resultón falseo.

Sus míticos diseños perduran en el recuerdo de todos los amantes de este filme y siguen siendo hoy,después de setenta años,trajes de inigualable magnitud artística.Desde entonces han sido muchas las películas que han recreado el periodo comprendido entre 1861 y 1865,la Guerra Civil Americana ("Cold Mountain","Glory","Gangs of New York"...)muchas de ellas con un diseño de vestuario verdaderamente sensacional,pero probablemente ninguna haya conseguido obtener un puesto privilegiado en el Olimpo icónico que GWTW alcanzó hace ahora más de medio siglo.

Cuando Selznick recogió su Oscar por producir el filme dijo:"Es realmente triste que no exista un Oscar para el diseño de vestuario(hasta 1948 no se creó esta categoría),verdaderamente triste,porque Walter Plunkett lo habría recibido".

Walter Plunkett fue nominado a los premios de la Academia en diez ocasiones,aunque solo lo ganó por "An American in Paris" en 1951.

Exposición "Animales a Escena"

Desde el 2 de Noviembre hasta el 10 de enero del próximo año podremos disfrutar en la sala de exposiciones del Teatro Fernando Fernán-Gómez de una de las exposiciones más originales de cuantas se han realizado en ese espacio.Un recorrido por el vestuario para teatro y ópera con animales como protagonistas.Una excelente compilación de trajes y bocetos que demuestran el ingenio de los diseñadores a la hora de transformar a los actores y cantantes en bestias,a veces refinadas a veces salvajes.La exposición provoca al expectador un sentimiento de inquietud,al verse rodeado de animales antropomorfos,erguidos a dos patas y vestidos algunos de ellos con mucha clase y distinción.Bienvenidos al zoo de los animales inteligentes.

Esta exposición nace a partir de la muestra que en el año 2006 sirvió como inauguración del Museo Nacional de Escenografía y Vestuario de Moulins (CNCS), institución que aportará el 75 % de las piezas, el resto se completa con obras procedentes de las siguientes instituciones: Institut del Teatre de Barcelona, Museo Nacional del Teatro de Almagro, Fundación Nacional de Documentación Teatral, Fundación Federico García Lorca, Museo de la Danza de Estocolmo y la Compañía de Teatro Etcétera.

A lo largo de la exposición se han recreado diferentes espectáculos, mediante los trajes originales utilizados para las representaciones de los espectáculos siguientes: La Creación del Mundo, con figurines originales realizados por Léger para Los Ballets SuecosEl Público, con originales del escenógrafo Fabià PuigserverAsí como figurines y teatrillos originales del siglo XIX y principios del XX de obras como: La redoma encantada, El Lago de los Cisnes, El Maleficio de la Mariposa, El Festín de la Araña, etc. También los trajes y títeres originales de: La Flauta Mágica, Las Fábulas de la Fontaine, El Arca de Noé, A la Rochelle il n’y a pas de pucelles, Zoroastro, El Retablo de Maese Pedro, Animales Fantásticos, La Bella Durmiente, Soñando el Carnaval de los Animales, El Fantasma de la Ópera, El Lago de los Cisnes, Nana, La Sinfonía Fantástica, Orfeo en los Infiernos, Indomeneo. Todas las obras constan de paneles explicativos y fichas técnicas.

La exposición contará además con dos espacios sonoros: uno perteneciente al espectáculo Soñando el Carnaval de los Animales y otro de ambientación general. Además el catálogo correspondiente, que parte de la publicación francesa traducida al castellano, incorpora textos del profesor Jose María Díez Borque (catedrático de la Universidad Complutense), Claudia Bonollo, Enrique Lanz (Director de la Compañía Etcétera) y Erik Näslund (Director del Museo de la Danza de Estocolmo), entre otros.

"Agora" y Gabriella Pescucci en el Museo del Traje.

El pasado jueves 17 el Museo del Traje en colaboración con MOD Producciones,Himenóptero Hispano Foxfilm y Telecinco Cinema inauguraba la exposición "El esplendor de Alejandría.Vestuario de Agora,de Alejandro Amenábar".

El Museo expone una veintena de trajes diseñados por Gabriella Pescucci ("The Age of Innocence",Martin Scorsese,1993,"Der Name der Rose ",Jean-Jacques Annaud,1986),para los que la diseñadora se ha tenido que adentrar en el mundo romano del siglo IV d.C. .
"Agora",ambientada en la convulsa Alejandría de los últimos siglos de la edad antigua,recrea el momento en que la forma de vida del mundo clásico se pierde en favor del cristianismo.

Alejandría es entonces el mayor puerto del Mediterráneo,y una de las ciudades más cosmopolitas de la época,cohabitando en ella diferentes culturas,pueblos y religiones.En el año 313 el emperador Constantino estableció la libertad de culto en el Imperio y de este modo el paganismo dejó de ser la religión única de Roma y así el cristianismo empezó a ser tolerado por las autoridades.Algo más de medio siglo después,el emperador Teodosio convirtió el cristianismo en religión oficial,acabando así con la libertad de culto.

La indumentaria de esta época,teniendo en cuenta todo este cambio cultural,es muy compleja de reflejar,por todo lo que comporta ese crisol de religiones y formas sociales.
En general se mantuvieron las formas de vestir del mundo clásico.Los cristianos no desarrollaron una indumentaria distintiva respecto a otros grupos religiosos,como hicieron los judíos.La única diferencia palpable con los demás credos estuvo en el campo de la joyería,donde abundaron los crismones y otros símbolos cristológicos,y en los últimos años del Imperio,también la cruz.

Visualmente Pescucci ha combinado las formas de los trajes,las texturas y sus colores para diferenciar los distintos colectivos y clases de la compleja Alejandría del siglo IV.Las pinturas de Al-Fayum,la escultura griega y el mundo árabe han sido las influencias principales que la diseñadora ha seguido.Aunque también reconoce haber tomado inspiración contemporánea en los famosos trajes "delphos" de Fortuny.
Pescucci ha proporcionado una dimensión extra a la película usando la psicología del color,mostrando la evolución de los personajes y su estado de ánimo a lo largo de la cinta.Gabriella ha contado para este trabajo con la inestimable ayuda de su colaborador Rossano Marchi ,gran conocedor de la cultura grecorromana,y que ha trabajado en producciones como "Rome" de HBO,"Marie Antoinette"(Sofia Coppola,2006)"The Affair of the Necklace"(Charles Shyer,2001) o "Ocean's Twelve"(Steven Soderbergh,2004),en estas tres producciones como asistente de Milena Canonero .

El personaje de la astrónoma Hipatia (Rachel Weisz ) tiene un lugar especial en la exposición.Viste túnicas de diferentes colores,empleando como tejidos básicos el tafetán (plisado a mano) y organzas de seda,decorados la mayoría con cuentas de vidrio y pasamanería.Un trabajo verdaderamente delicado y original.
Hipatia vive en un mundo de hombres y Pescucci lo refleja a través de la toga masculina que lleva a lo largo de la película,en lugar del manto tradicional de las mujeres romanas de la época.

El estado de ánimo de la astrónoma se palpa en cada traje que viste : "En la primera parte de la película viste túnicas de colores claros,luminosos porque vive en un mundo griego de filósofos y estudiantes.Después de la destrucción (de la Biblioteca) se hace más dura y fuerte.Comienza a llevar colores más profundos,porque la destrucción de los libros le ha supuesto un gran dolor" ,dice Gabriella Pescucci.

Para diseñar el vestuario de los parabolanos,las fuerzas más básicas del primer cristianismo alejandrino ,la diseñadora usó colores oscuros,reflejo del poco apego por los bienes materiales de este grupo religioso.Materiales consistentes,recios y sencillos en alusión a su condición de gente humilde.
Frente a este grupo destacan los sacerdotes,que reflejan el hieratismo y el esplendor de este grupo triunfante en esa época de esplendor para el cristianismo.A pesar de ello los tonos usados por Pescucci son apagados: blancos,negros y marrones,tonos asociados a la sencillez del primer cristianismo.Mediante este grupo se hace patente la vinculación de las jerarquías eclesiásticas con las clases privilegiadas de la sociedad.

Como fondo para estos grupos protagonistas de la cinta encontramos al resto de la sociedad alejandrina.Las diferencias sociales estan muy marcadas:túnicas muy sencillas de sobrios tejidos de lana y lino para los esclavos y mantos de seda con tintes intensos para las clases altas.

La exposición,comisariada por la misma diseñadora y por su ayudante,nos ofrece en exclusiva (y en el incomparable marco que es el Museo del Traje de Madrid) la magnífica oportunidad de apreciar de cerca el exquisito trabajo de esta mítica artista del cine,colaboradora de Fellini,Visconti y Scorsese entre otros.

En esta última foto (de derecha a izquierda) Rossano Marchi,Gabriella Pescucci y un servidor.

No falten a esta cita con el cine.

"There's no place like Rome..."

Al igual que Dorothy Gale usaba su famoso par de chapines de rubíes para trasladarse de Oz a Kansas,los papas han usado sus mocasines de piel roja para el tránsito entre este mundo y el del más allá.
La indumentaria eclesiástica es realmente fascinante.Durante 2000 años,tanto los pontífices como sus cómplices han usado infinidad de prendas que les ha diferenciado del resto de estamentos.En realidad no solo la Iglesia Católica ha usado sabiamente el tirón del misticismo y la espiritualidad para vestirse como auténticos seres tocados por El Divino,sino que cualquier tipo de religión (budistas,ortodoxos,etc....)han sabido sacar el máximo partido a los terrenales y pedestres placeres del buen vestir.
La indumentaria pontificia católica es sin duda de las más llamativas de todas (sin desmerecer a la Ortodoxa).Siempre rodeados de grandes sastres y diseñadores de prestigio la Iglesia ya demostró tener olfato para esto cuando requirieron los servicios de Michelangelo Buonarroti para diseñar el vestuario de la guardia Suiza,y que hoy día sigue en uso..En la actualidad y desde hace más de tres siglos es la casa Gammarelli (regida ahora por Annibale Gammarelli) la encargada de la confección de los trajes del Santo Padre y de su curia.




Benedicto XVI,además de ser un defensor a ultranza de la doctrina y los valores más conservadores de la Iglesia,es también amante del buen vestir y de la tradición vestuarista más arcaica de la Iglesia,ha hecho de su capa un sayo y se ha enfundado en las más ricas telas que su gran empresa le ha proporcionado.Su vestidor, de cientos de metros cuadrados ,está cargado de prendas blancas,amarillas,rojas,doradas,verdes y moradas,bordadas en oro y plata (según la celebración litúrgica oportuna).Pieles de armiño y capas pluviales,solideos,tiaras,mitras y camauros.Todo un sinfin de posibilidades que hacen difícil contenerse ante la diabólica seducción de la vanidad..Entre todos esos cientos de miles de metros de exquisitas telas y complementos,se hayan los famosos zapatos rojos de piel ("el color del amor ardiente,el color del fuego espiritual").
Estos mismos zapatos son los que ,protocolariamente,calzan los papas en su funeral.Salvo Juan Pablo II que prefirió ser enterrado con su par de mocasines marrones,como simbolo de sus humildes orígenes.


El Padre Hoyos,gran conocedor de los entresijos históricos vaticanos,cuenta en su blog lo siguiente a propósito de esta prenda gemela:
"Muchas personas me han escrito preguntándome el porqué de los zapatos rojos de Benedicto XVI pues Juan Pablo II usó casi siempre zapatos café. Primero sería interesante conocer que los zapatos y vestuario que utiliza el Santo Padre es donado por las casas de diseño Prada y Gammarelli de Italia, desde los tiempos del imperio Romano. En el siglo XVII, Europa vivía como uno de los territorios más poderosos y prósperos del mundo. La clase pudiente de aquella época quería distanciarse de la clase trabajadora. Sólo la realeza y las familias más adineradas e influyentes utilizaban el color rojo y, al considerar al Papa como la figura mas importante en el mundo espiritual, el llevar zapatos más rojos todavía le daba relevancia y prestancia. Antes, en el siglo 18, la corte francesa también obligó a toda la nobleza a utilizar el color rojo en los zapatos, tanto las mujeres como los hombres. El Papa Juan Pablo II fue el único pontífice que decidió llevar en sus viajes misioneros zapatos café, como símbolo de humildad y pobreza.Ahora Benedicto XVI ha decidido llevarlos casi siempre rojos, como símbolo no de superioridad sino de acompañamiento a los que sufren, a la violación de los derechos humanos, y a la defensa de la vida. El color de la sangre derramada por defender la fe católica, y por el sufrimiento de la humanidad. Cada vez que un Papa fallece es enterrado con todas sus vestimentas al igual que con sus zapatos rojos. ¿Será que los zapatos rojos del Papa son los zapatos de los inmigrantes? ¿Y el color rojo el del sufrimiento de nuestra comunidad en exilio? "

El año pasado, la revista Esquire nombró al Pontífice de 81 años como el "portador del accesorio del año", por sus mocasines rojos de cuero, que los expertos de la moda habían dicho eran probablemente de la casa de moda italiana.
Mientras que el Vaticano nunca confirmó ni negó si los zapatos eran de Prada, los continuos rumores sobre el sentido de vestimenta del Papa llevó al periódico vaticano, l'Osservatore Romano, a publicar una condena a las notas de los medios que dijo trivializan al jefe de la Iglesia Católica. La inclusión del Papa por parte de Esquire en su lista de los hombres mejor vestidos fue "de una frivolidad que es muy característica de una era que tiende a trivializar y no entiende".
El artículo explicó que los zapatos del Papa, al igual que su variedad de sombreros, no tienen nada que ver con vanidad sino con la tradición. "El Papa, en resumen, no viste Prada, sino a Cristo".
L’Obsservatore Romano echó por tierra esta teoría :"Un artículo afirma que los zapatos rojos del Papa fueron hechos a mano para él por un zapatero de Novara, un pueblo en el noroeste de Italia". Según un tal padre Prada (curiosamente autor del artículo) "la atención que se le presta a asuntos frívolos como la moda del Papa es inapropiada y choca con el estilo simple y sobrio de Benedicto."

Aaaaaaamén.

My Fair Beaton

Cecil Beaton (Londres,1904-Salisbury,1980) fue fotógrafo antes que diseñador. Su talento en el arte del retrato fotográfico se refleja en esta serie tomada en 1964 para la publicidad de "My Fair Lady".Los extravagantes y excesivos diseños para Audrey Hepburn como Eliza Doolittle le valieron a Beaton un Oscar en 1965,además del correspondiente a mejor dirección artística.
Puede que "My Fair Lady" sea una de esas películas en las que el vestuario es el gran protagonista,por lo tanto, que sean las fotografías del propio Beaton las que hablen por sí solas en este post sin añadir ninguna palabra más ( y así, de paso, me ahorro la parrafada ;P ) .

"Shakespeare in Love".Sandy Powell (II).

John Madden consiguió que una comedia romántica de época acaparara la mayoría de los premios de la Academia de 1999."Shakespeare in Love" narra la historia del joven William Shakespeare,cuando atraviesa una gran crisis creativa mientras escribe "Romeo y Ethel,la hija del pirata",y de cómo se enamora casualmente de Lady Viola,su musa,gracias a quien la obra finalmente titulada "Romeo y Julieta" será un triunfo universal

"Shakespeare in Love" es una película de época pero en muchos sentidos moderna,con muchos momentos anacrónicos y diálogos muy dinámicos.

Sandy Powell,gran conocedora de este periodo histórico (no en vano realizó el portentoso vestuario de "Orlando",Sally Potter 1992) estaba "deseando zambullirme de nuevo en esta época.Es un periodo muy jugoso,con todos esos enormes trajes tan aparatosos y arquitectónicos".

Lo más sorprendente del vestuario de esta película es lo moderno que llega a ser.Powell admite que sacrificó ciertos aspectos históricos del vestuario.
La moda de aquella época enfatizaba la belleza en la mujer y la galantería en el hombre.Para ellas la clave estaba en la forma de reloj de arena.Mangas anchas en los hombros,corpiños ajustados a la cintura que aplastaba el pecho y falda de campana.
Los hombres usaban jubones (algunos acolchados con guata y otros "acuchillados"),bombachos sobre medias o leotardos ajustados y botas.
Los ejecutivos de Miramax insistieron en que los hombres no tuvieran apariencia ridícula embutidos en los clásicos leotardos de la época.Powell alargó los jubones lo suficiente como para evitarlo.
Pero incluso aquéllos sacrificios históricos le dieron al vestuario un aurea de verosimilitud.

Fue un verdadero acierto el vestuario diseñado para Joseph Fiennes,el joven Will Shakespeare.Una chaqueta de piel azúl guateada y ajustada le convierte en una especie de rebelde cortesano Isabelino.A veces la chaqueta de Will se transforma en un chaleco.Se diseñó una prenda muy versátil,que bien podía ser usada mientras escribía los versos de un soneto,como cuando se batía en duelo contra un enemigo o bien si salía de juerga por las húmedas calles de Londres.
Powell no quiso pensar en lo tremendamente importante que es el personaje histórico: "Fue un obstáculo pensar en William Shakespeare como el gran dramaturgo.En cierto sentido la película humaniza a este gran personaje,y yo quise vestir a Joe(Joseph)Fiennes como un convincente joven enamorado.Estoy muy satisfecha con el resultado".

Los trajes que Powell diseñó para Viola de Lesseps(Gwyneth Paltrow)son realmente bellos.Los cambios de vestuario son un mecanismo pareralelo del desarrollo de la trama.
Sandy Powell,experta en "travestismos" cinematográficos ("Orlando","Velvet Goldmine") tuvo que transformar a Viola cuando esta se hace pasar por el joven Thomas."El periodo en sí facilita esta labor de ocultación de identidad,ya que los propios trajes masculinos poseían una silueta bastante femenina :bombachos que acentúan las caderas y calzas ajustadas en las piernas.Pensamos en no engañar al público ocultando la identidad de Viola,sino que queríamos que los demás personajes parecieran demasiado torpes para no darse cuenta" .La transformación satisfizo a Powell: "Me sorprendí cuando Gwyneth se vistió con este traje ,sin su larga melena rubia,por lo masculina que llegó a parecer".

El traje está lleno de pequeños detalles que advierten al espectador de la verdadera identidad femenina del personaje.Una diminuta hilera de jaretas que rodean el cuello de la protagonista abriéndose en abanico insinuan su verdadero sexo,además de los exquisitos bordados florales del cuello del jubón hábilmente ocultos por la gorguera.

El vestuario de Viola a veces nos cuenta más cosas de las que su propio diálogo ofrece.Powell usa un vestuario relativamente sencillo:"comparados con otros trajes de la época,los de Viola son relativamente simples.Le sentaban muy bien los colores suaves y prescindimos de añadir joyas y pedrería a sus trajes.Aún así su vestuario era elegante y regio sin llegar a ser hortero".
Las molestas y aparatosas gorgueras enmarcan en este caso con delicadeza y precisión el rostro del personaje sin invalidar su encanto moderno.

La livianidad de los trajes usados por Paltrow en toda la película contrasta por completo con el traje de boda en que se encapsula cuando se ve forzada a casarse con Lord Wessex (Colin Firth),un hombre al que no quiere.Un pesado traje de terciopelo dorado y un espeso velo bordado.Con este traje Viola se siente muy incómoda (la interpretación de Paltrow ayuda mucho en este sentido).De repente pierde feminidad y sus andares son torpes y encorsetados.Además el traje es "gemelo" del que lleva Lord Wessex,como si él mismo lo hubiera encargado así.

El vestuario de este pomposo personaje refuerza su carácter ambicioso y arrogante.Sus ropas estan cargadas de bordados en oro,casi sin dejar hueco para la tela,exhibiendo con descaro y mal gusto su poderío económico.
Los trajes de Viola son ,sin contar con el de la boda,ligeros e informales.Ese era el mayor interés de Powell a la hora de vestirla,sin importar demasiado la circunferencia del verdugado o el diámetro de la gorguera.

Capítulo aparte merece el vestuario de la reina Elizabeth I,encarnada formidablemente por Judy Dench en su brevísima intervención en la película.
Los trajes y los tocados son de una suntuosidad casi surrealista.
Powell recuerda hasta qué punto la realidad superó a la ficción."La reina Elizabeth tenía más de un millar de trajes,a cual más ostentoso,y básicamente formaban la fortuna de la reina.Los amontonaba literalmente en una montaña junto con todas sus joyas".
Debido a un posible envenenamiento con mercurio,la reina tenía una piel terrible y la cabeza completamente calva.Poseía una colección de más de 80 pelucas,todas de distintos colores,y creaba moda entre los peinados de las cortesanas.
Los trajes de la reina están muy elaborados y Powell no reparó en joyas y piedras preciosas para decorarlos.El traje inspirado en los colores del plumaje del pavo real es realmente asombroso.

Además la película está llena de personajes inolvidables,todos perfectamente definidos con el vestuario de Powell. Ben Affleck,como el vanidoso actor Ned Alleyn,Geoffrey Rush encarnando al nervioso empresario teatral Phillip Henslowe o la estupenda Imelda Staunton ,la solícita nodriza de Viola.

Sandy Powell recibió su primer Oscar por su trabajo en "Shakespeare in Love".

¿Habrá un tercer post sobre Sandy Powell?.I don't know.I'ts a mystery.

"Gangs of New York".Sandy Powell (I)

La filmografía de Sandy Powell está colmada de grandes títulos,y resulta muy difícil comentar su trabajo en tan solo una película.Su carrera comenzó tímidamente con títulos poco conocidos,pero poco a poco se ha convertido en una de las figurinistas más importantes del panorama cinematográfico."Interview with the Vampire"(Neil Jordan,1994),"The Crying Game"(Neil Jordan,1992),"Orlando"(Sally Potter,1992),"Velvet Goldmine"(Todd Haynes,1998) o "Shakespeare in Love"(John Madden,1998) son algunos de los títulos en los que ha participado,ofreciendo siempre diseños muy creativos y particularmente originales.

Posee un estilo propio,nada convencional ni "académico",donde la teatralidad y el colorido de sus diseños destacan frente al rigor y el realismo de otros diseñadores.Combina a la perfección los colores,una peleta siempre brillante y rica en contrastes.

"Gangs of New York "(Martin Scorsese,2002) fue la primera colaboración entre Powell y Scorsese.Le han seguido "The Aviator"(Oscar al vestuario en 2004),"The Departed" y las venideras "Shutter Island" y "The Silence".

A pesar de no haber sido muy bien tratada por la crítica (desde luego no es el mejor título de Scorsese),es indiscutible que "Gangs of New York" es un auténtico espectáculo visual.Rodada en Cinecitá,con magníficos decorados de Dante Ferretti y un elevado número de figurantes nunca antes Scorsese se había enfrentado a una producción de este calibre.

Este relato,basado en la obra de Herbert Asbury cuenta los orígenes del oscuro barrio de los Five Points de Nueva York, un paisaje legendario de calles empedradas en el Lower East Side de Manhattan .Ahí, cada día, grupos de nuevos emigrantes irlandeses inundaban los muelles cercanos en busca del sueño americano.Las bandas organizadas dominaban la zona y las batallas por hacerse por el control eran constantes y muy violentas.






Powell creó el vestuario de la gente de la calle,de los delincuentes y de los miembros de las bandas,de quienes apenas hay documentación. Existen algunos escritos que decriben cómo iban vestidos,también se sabe que en los suburbios la ropa era muy colorida, pero se conservan pocos datos gráficos. El daguerrotipo, primer acercamiento a la fotografía actual creado en esos años,fue particularmente usado por la clase pudiente,dejando constancia de cómo eran.
Además Scorsese y su equipo investigaron durante mucho tiempo el periodo en que se desarrolla la historia,las dos décadas comprendidas entre 1840 y 1860,y Powell pudo manejar gran cantidad de documentación.

Sandy Powell posee una asombrosa capacidad para combinar el rigor de cualquier periodo histórico con la extraordinaria originalidad que aporta a sus diseños y busca inspiración en los tejidos antes de hacer cualquier dibujo,algo no muy frecuente.
La diseñadora reconoce haber "fantaseado"en esta película .Detalles como prolongar el largo de las "camisas de cola" por fuera del pantalón,o exagerar el largo de los sombreros de copa fueron aportaciones propias que se sumaron al ya de por sí original estilo del momento,con colores y estampados difícilies de imaginar para aquella época.





Algo que tenía claro Scorsese era que cada banda vistiera de un color diferente, para que por las calles se supiera a qué banda se estaba afiliado.
En el caso de los Conejos Muertos se sabe que iban vestidos con rayas rojas.Powell decidió hacerlo de un modo primitivo,como si cada uno de ellos se lo hubiera hecho a sí mismo con pintura. Además, junto a los Conejos Muertos había otras bandas de inmigrantes irlandeses que se asociaban en las batallas contra los nativos (los Guardias de O'Connel,los Feos de la Chistera,los Camisas Fuera,los de Chichester y los Cuarenta Ladrones).
Los nativos, liderados por William -Bill- "the Butcher" Cutting (Daniel Day Lewis) vestían para la batalla con camisas rayadas y sombreros de chimenea,con algún distintivo azúl.Los de Bowery (nativos también) eran más elegantes,camisas rojas y sombreros de copa,abrigos oscuros y pantalones de cuadros, además llevaban "mechas de jabón"o "pelo de charol",es decir,el pelo liso y untado de brillo.






El increible recital interpretativo de Daniel Day Lewis encarnando al duro mafioso Bill el carnicero ,está formidablemente reforzada por el vestuario:sombreros de chimenea,chalecos de estampados casi africanos y pantalones a cuadros con levitas entalladas de fuerte colorido,"un dandy,que presume de su riqueza y de su vestuario" dice Powell.
Ajustando toda su ropa se consiguió estilizar al personaje dando así un aspecto más tétrico y sombrío del tuerto Bill.
Aunque Day Lewis (actor del método) y Sandy Powell no coincidían en su visión del personaje,ambos llegaron a un acuerdo justo el día en que el actor vio su vestuario.Le agradó tanto que adaptó su personaje al estilo que Powell le proporcionó.










Las mujeres victorianas de la época usaban corsés apretados,crinolinas y enaguas muy voluminosas,vestidos largos de aspecto sobrio,pero en Five Points las mujeres eran pobres y no podían usar un vestuario tan aparatoso.
Powell encontró fotos de mujeres con pantalones debajo de la falda.Había un grupo de mujeres hacia 1850 llamado "Reformistas de la moda",eran feministas de la época,se cortaban los vestidos largos y se ponían los pantalones debajo.




Liam Neeson,a quien Sandy Powell ya vistió en "Michael Collins"(Neil Jordan,1996) y en "Rob Roy"(Michael Catons-Jones,1995),cuenta como comprendió al instante que su personaje (Reverendo Vallon) debía llevar el abrigo largo de cuero que Powell diseñó como seña de identidad,como la armadura del líder que le distingue en los momentos de batalla.

Además de los Conejos Muertos y los americanos nativos había otros grupos de gente en Five Points,gente muy pobre que vivía en la vieja fábrica de cerveza,políticos como el corrupto Boss Tweed (Jim Broadbent),gente elegante de la Pagoda China de Sparrow y del Circo de Satanás.
Todo el vestuario se creó de cero,y en total se confeccionaron unos 7000 trajes.

Sandy Powell recibió una candidatura al Oscar y otra al BAFTA por este trabajo en 2002.

"Planet of the Apes": Vistiendo a la mona de seda.

Diseñar una película de ciencia ficción debe ser apasionante,a la par que arriesgado.Muchas películas que en su día fueron aclamadas por crítica y público no han soportado el paso de los años.Los diseños se pueden tornar obsoletos y,en ocasiones,hasta ridículos."Things to Come"(Alexander Korda,1936) o "Logan's Run" (Michael Anderson,1976) son ejemplos de fallidas propuestas de un futuro lejano.
En "Planet of the Apes" (Franklin J.Schaffner,1968) tanto William Creber en decorados como Morton Haack en vestuario hicieron un trabajo que,40 años después de su estreno,permanece intacto en su creible visión de un futurista planeta dominado por monos inteligentes.
La película,basada en el devastador relato de Pierre Boulle, cuenta cómo unos hombres creen haber llegado a un planeta poblado por simios,donde al final descubren que ese extraño lugar se llama Tierra.
Estre proyecto de Arthur P.Jacobs,que circuló infructuosamente por muchos estudios,acabó siendo una película imprescindible en el género de ciencia ficción gracias a la Fox.Resultó ser un gran éxito de taquilla,y los simios protagonizaron 4 películas más,una serie de televisión y una serie de animación.
Muchos actores de primera fila quisieron formar parte de estos proyectos,a pesar de no ser identificados por el maquillaje.Edward G.Robinson (que abandonaría la producción por no soportar las larguísimas sesiones de maquillaje),Sal Mineo,Ricardo Montalban (como dueño de un decadente circo) y hasta John Huston fueron algunas de las estrellas que se dejaron seducir por la exitosa saga monesca.

Morton Haack mezcló a la perfección el futurismo de una especie avanzada y lo primitivo de los monos.Empleó la asimetría en sus diseños y usó trajes muy arquitectónicos,casi de una pieza,eliminando de la vista del espectador cremalleras y botones,dando el aspecto rudimentario que caracterizaba a esa extraña civilización.

Las jerarquías en las que estaba dividida la sociedad de los simios fue fundamental para el diseño.Cada grupo de monos pertenecía a un estrato social distinto,así los orangutanes (jueces,políticos y legisladores) visten con trajes naranjas y aplicaciones en cuero con relieves de motivos geométricos,tal vez caracteres de su escritura.
Los chimpancés (científicos e intelectuales) como Cornelius (Roddy McDowall) ,que no Aurelio como en la versión doblada, y su novia Zira (Kim Hunter),llevan trajes de lana verde y marrón con cuellos de cuero. Los gorilas (fuerzas militares y los trabajadores) usan uniforme militar,chalecos de cuero negro,pantalones morados y botas.



Los humanos sometidos por los monos eran tratados como animales,como seres inferiores.Su indumentaria se reducía a simples taparrabos y poco más.Los cuatro astronautas que son enviados en misión especial desde la Tierra a bordo de la nave Oberon,visten con el clásico traje espacial blanco con la bandera americana y la insignia de la ANSA,en un evidente juego de siglas.Posteriormente,cuando George Taylor (Charlton Heston) es juzgado y tratado como un "apestoso" animal,usa un degradante trozo de tela harapienta.
El original diseño de vestuario le valió a Morton Haack una nominación al Oscar en 1969.

En 2001 Tim Burton revisitó el relato de Boulle y creó un mundo totalmente distinto al de la versión de 1968.Aportó su particular concepto de los simios y contó,como es habitual,con Colleen Atwood para el vestuario de la película.

En esta ocasión el presupuesto fue desorbitado,y de este modo no se escatimó en gastos para los departamentos creativos del film.Se construyeron complicados decorados y se fabricaron armaduras metálicas para todo un ejército de simios.Atwood creó y supervisó la fabricación de más de dos millares de los trajes empleados en "The Planet of the Apes".

El equipo de diseñadores, patronistas, cortadores y arreglistas de Atwood comenzaron a trabajar a escasos cuatro meses antes de que la producción diera comienzo."Diseñamos ropas para los simios que se pudieran poner y quitar con facilidad, especialmente para poner en práctica las lecciones recién aprendidas en la Escuela de los monos".

Además, los diseños de Atwood se modificaron para adaptarse a la personalidad de los distintos actores. "Tim Roth aportaba una fuerza tan extraordinaria a su personaje de Thade que queríamos que sus ropas lo reflejaran", explica. "Por lo tanto, su ropa da a su cuerpo el aspecto de una araña, una apariencia poderosa". Atwood también diseñó para Thade un casco más alargado que el del resto de los monos, para diferenciarlo de los batallones de simios a los que manda en la lucha contra los humanos.

Attar (Michael Clarke Duncan) también exigió de Atwood un trabajo muy singular. "Vestir a Michael era como cubrir el edificio Chrysler.Hicimos su ropa muy apolínea, casi siguiendo un concepto arquitectónico". Atwood vistió a Attar en negro y plateado, a diferencia de otros muchos simios que llevan ropa de color rojo.Vestir a los humanos significaba para Atwood retos muy distintos. "Ellos están sometidos a los simios y viven en un ambiente hostil", explica Atwood.

Atwood trabajó con la ayudante de diseño de vestuario Jane Clive para crear un tejido especial que pudiera dar a la ropa de los humanos una apariencia de reptil. "Era una especie de tejido en tres dimensiones", explica. Los responsables del vestuario pintaron varias capas de diferentes colores encima del traje, basando los dibujos para el diseño de serigrafía en vistas aéreas de la tierra reseca y la piel de los animales.Para la ropa de Leo (Mark Wahlberg) Atwood tomó un camino inesperado. "No queríamos que fuera en taparrabo", dice Atwood. Por el contrario, llevaba una destrozada versión del uniforme militar, quemado por su accidentada entrada en el mundo de los simios. Su ropa del siglo XXI casa perfectamente con la ropa de los primitivos humanos.

"All about Eve":Charles le Maire y Edith Head,entre bambalinas.

Se cumplen cien años del nacimiento de Joseph Leo Mankiewicz y casi 60 de que nos contara la historia de la calculadora y sibilina Eva.Un relato que se mantiene tan fresco y actual como el primer día de su estreno;no han cambiado mucho las cosas desde entonces.Tal y como nos insinuó al final de la película, siempre habrá un nuevo advenedizo que ponga en marcha la implacable maquinaria de la ambición.

"All about Eve" es un ácido retrato del mundo del teatro,donde se muestra todos sus entresijos a través de las relaciones entre sus complejos protagonistas.

La película está sostenida por un brillante guión y por unas interpretaciones excepcionales. Está considerada como la cima de las carreras de Mankiewicz y de Bette Davis, sublime en el papel de Margo Channing,una enérgica estrella de la escena de Broadway,insegura ante una caducidad profesional en ciernes.

Es habitual que un vestuario contemporáneo no suscite el interés y el reconocimiento que más facilmente consiguen las llamadas películas de época.Los vestidos de esta historia no son especialmente destacables por su espectacularidad, ni por su complejidad.Charles le Maire("The Robe","The Diary of Anne Frank") y la archipremiada Edith Head ("Sabrina","The Sting") vistieron con gran puntería e inteligencia a todo el reparto.

Charles le Maire había diseñado el vestuario completo para todo el elenco cuando todavía Claudette Colbert iba a interpretar el papel de Margo Channing. Más tarde,y al saberse que Colbert no participaría en la película (se partió una vértebra esquiando) se eligió a Bette Davis para el papel.
Davis,que mantenía una estrecha relación de amistad con Edith Head ( la diseñadora más importante y reconocida de Hollywood) ,quiso que ésta diseñara su vestuario,de modo que se rehicieron los trajes para la protagonista. Queda entonces patente con este dato que,aún reconociendo la indiscutible originalidad de los trajes diseñados para Bette Davis, el máximo responsable de la brillante concepción de los personajes fue mérito absoluto del gran Charles le Maire.
Ambos recibieron en 1951 el Oscar al mejor diseño de vestuario en la categoría blanco y negro.

El gran logro de ambos radica en la perfecta descripción que de los personajes se hace a través del vestuario que llevan.Es notoria la evolución que Eva Harrington (Anne Baxter)sufre a lo largo de la cinta,desde que aparece como una tímida provinciana con una gabardina y un gorrito de lluvia, hasta que se transforma en una ambiciosa estrella del teatro,envuelta en una magnífica capa de seda y pedrería sobre un traje de creppe,cuando finalmente recoge el prestigioso premio "Sarah Siddons"de teatro.

Mención aparte merece el distinguido actor George Sanders,espléndido en el papel del cáustico crítico teatral Addison de Witt.Viste de una manera muy refinada,con exquisitos sombreros,elegantes abrigos con cuello de astracán,guantes de piel y boquilla incorporada a sus cigarrillos de importación.

Aunque sin lugar a dudas el traje que ha pasado a la historia ha sido el que Margo Channing lleva en el cócktail que se celebra en su casa.Un magnífico traje de seda marrón,rematado en piel de marta en mangas y bolsillos.El brazalete,el broche de brillantes y los gemelos que adornan las mangas fueron cuidadosamente elegidos por Edith Head y la propia Davis. A propósito de este traje Sam Stagg relata en su interesantísimo libro "All About All About Eve" una curiosa anécdota :El primer interior que se rodó en los estudios de la 20th Century Fox fue la famosa y macbethiana secuencia del cócktail. Debido a la precipitada imposición de la Davis,Edith Head apenas tuvo tiempo para realizar su vestuario. Head apareció con el vestido que debía llevar Bette Davis para esta secuencia en el set.Cuentan las crónicas que cuando Davis se colocó el traje descubrió que el escote cuadrado le quedaba realmente enorme.Ante la premura del rodaje y el poco tiempo de reacción Davis optó por bajarse el escote hasta los hombros dejándolos al descubierto ,adoptando la forma que todos hoy reconocemos.Ambas quedaron satisfechas con el resultado y el traje reflejaba la beligerancia de Margo por parecer todavía atractiva,pese a su madurez.
Cierto o no,Davis aparece radiante con ese traje,y se vió tan bien con él que lo compró una vez acabado el rodaje.Fue uno de los trajes "estrella" de Edith Head y a lo largo de su carrera dibujó diferentes versiones del mismo boceto una y otra vez.
Años más tarde la propia Edith Head habló sobre los problemas para diseñar el vestuario de Bette Davis:"(...)tenía el cuello corto,hombros redondos,el pecho caído,cintura hancha y piernas arquedas".Head se despachó a gusto,puede que no le agradara del todo la actitud resolutiva de la Davis... .

Son más que destacables los numerosos abrigos de pieles que lucen las actrices_"Al lado de esa marta,mi visón parece una bata"_,dice Karen (Celeste Holm),así como las exquisitas joyas que exhiben a lo largo del filme.

"All about Eve" es una película moderna y actual y por eso los diseñadores de ahora se siguen fijando en ella para sus creaciones.He aquí,a modo de curiosidad,un par de tacones llamados KitKat boots, diseñados por Rupert Sanderson.El autor confiesa haberse inspirado en uno de los trajes de Anne Baxter.Juzgen ustedes mismos.

"Elizabeth Haffenden, A Tale In Technicolor"

Tiberio César: Este hombre que está a tu lado,¿quién es?.
Quintus Arrius: El hombre que me salvó,Divino Emperador,para volver y servirte.
Tiberio César: ¿Y eso es todo lo que sabes de él?.
Quintus Arrius: No.Fue acusado de atentar contra el gobernador de Judea.Pero era inocente.
Tiberio César: Sino,hay una extraña contradicción en este hombre,quien trata de matar a mi gobernador y salva la vida de mi cónsul.Ven mañana y hablaremos de él.

Roma,año 1 de la era cristiana.Judá Ben-Hur se instala en la capital del Imperio,adoptado por Quintus Arrius y se convierte en el mejor de los aurigas.Pero antes de esto,Ben-Hur sufre muchas vicisitudes: el arresto de su madre y de su hermana,la traición de su mejor amigo,su paso por galeras encadenado a un remo durante tres años,una terrible batalla naval contra los macedonios... .

Ben-Hur (William Wyler,1959) es una película espectacular,es perfecta.El director de The Little Foxes y The Collector alcanzó con esta película la cima de su carrera.

La mastodóntica producción de Sam Zimbalist se rodó en los míticos estudios "Cinecittá" de Roma y costó lo que nunca antes una película había costado.Se invirtieron ríos de dinero en recrear esta historia desarrollada entre la antigua Judea y la Roma Imperial.
Vastas sumas de dinero se gastaron para realizar el vestuario.Dicen que llegó a afectar (positivamente,desde luego) a la economía de varios países.En Tailandia se hilaba seda para los trajes principales (la toga púrpura de Poncio Pilato o los fantásticos trajes de Martha Scott),en Inglaterra bordaron trajes y repujaron pieles.En Italia se hicieron las botas y las sandalias.En Alemania se manufacturaron las armaduras elegantes.De Sudamérica se trajo cantidades ingentes de lana.De Suiza piezas de joyería extremadamente delicadas y de Francia cientos de rollos de encajes.
En Roma,cien costureras,peletistas y expertos en armaduras fueron contratados para los toques finales durante un año antes del rodaje.Cuentan que 180 kilos de pelo natural de las campesinas piamontesas fueron necesarios para elaborar las pelucas y las barbas postizas.Se dice también que el vestuario y los decorados fueron supervisados por un equipo de arqueólogos contratados ah hoc,para comprobar la veracidad de los diseños.Todos estos datos relultan interesantes,aunque supongo que habrá mucho de leyenda en ellos.Lo que sí está comprobado es que Haffenden llegó a realizar hasta 8000 dibujos junto con Joan Bridge.

Elizabeth Haffenden,figurinista británica nació en 1906 y estudió Artes en la Escuela de Croydon,se incorporó a trabajar en el cine en los estudios Ginsborough.Entre sus trabajos más destacados se encuentran Moby Dick (John Huston,1956),A Man for All Seasons ( Fred Zinnemann,1966 su segundo Oscar al vestuario) o Fiddler on the Roof (Norman Jewison,1971).

El vestuario para las películas de época del Hollywood dorado no eran precisamente un ejemplo veráz del período que representaban.El Tecnicolor,como novedad técnica, exigía colores y los mostraba sin pudor,y ahora nos parece un tanto artificioso.A veces el diseño tampoco se correspondía con la realidad de la época representada.En Ben-Hur el vestuario masculino está tratado con bastante rigurosidad,en cambio,las mujeres estan claramente influenciadas por la moda de los años 50:bustos demasiado señalados,cinturas ajustadas "de avispa",maquillaje excesivo y algún que otro cardado capilar.

Haffenden creó junto a Joan Bridge,asesora de Technicolor de la Metro Glodwing Mayer, un vestuario un tanto irreal y teatral pero a la vez espectacular y brillante.
El vestuario más distinguido de toda la película fue el que se creó para el protagonista.El rico comerciante encarnado por Charlton Heston va vestido a la manera hebrea y a la manera romana a lo largo del filme.En ambos casos son indumentarias de una factura impecable.Los caftanes y las togas son relamente exquisitas y la indumentaria de auriga muy original.Messala (Stephen Boyd) viste los diseños romanos más originales de todos los que aparecen en pantalla.

Antes de esta popularísima versión de la novela del General Lewis Wallece,la Metro ya hizo otra adaptación con Ramon Novarro como el judío converso Judá Ben-Hur.El vestuario es francamente interesante,por su estética kitsch,aunque no ha aguantado bien el paso del tiempo.Uno de los aspectos mas destcados de esta producción fue la participación del famoso diseñador e ilustrador Erté en el vestuario de Iras (Carmel Myers).Los modelos imposibles y la estética art decó que luce Myers son de lo más aparatoso.Las fotos promocionales de los actores son verdaderamente impagables.

Indiana Jones:Cazadora de cuero,látigo y Fedora.

Desde que en 1981 se estrenara "Riders of the Lost Ark" las aventuras del arqueólogo más famoso de la historia del cine ha reportado pingües beneficios a las arcas de George Lucas y Steven Spielberg,y ha proporcionado muchas satisfacciones a sus millones de seguidores.

La imágen ya es inconfundible:Cazadora de cuero,látigo y el famoso sombrero de fieltro marrón . Pocos cambios sufre el "uniforme de batalla" del Profesor Jones en cada una de sus aventuras,aunque nunca se ha reusado el vestuario,cada diseñador tuvo que rehacer el "look" del aventurero para cada película:

Deborah Nadoolman ("Riders of the Lost Ark"),Anthony Powell ("The Temple of Doom"),Joanna Johnstone y Powell ("The Last Crusade"),Mary Zophres y Bernie Pollack (hermano de Sidney Pollack) ("The Kingdom of the Crystal Skull").

Deborah Nadoolman Landis (esposa del director John Landis) recreó el icónico aspecto de Indiana Jones para la primera película,y con esto,para todas las demás. La diseñadora "reinterpretó" la indumentaria de Charlton Heston en "Secret of the Incas" (Jerry Hopper,1954)y de Alan Ladd en "China" (John Farrow,1943).

Esto cuenta Nadoolman en una entrevista:

"Diseñé el clásico sombrero "Fedora" de fieltro marrón de Indiana para Harrison Ford,adaptando un modelo "Australia" que encontré en el londinense sombrerero Herbert Johnson.Bajé la copa y reduje la anchura del ala para que le llegara más luz a los expresivos ojos y rostro de Ford.Luego,con la navaja suiza de Harrison Ford,un cepillo de acero y muchas hojas de papel de lija,me destrocé las manos envejeciendo la primera chaqueta de cuero de Indiana (de las diez que confeccionamos)al lado de la piscina en La Rochelle,el dia antes de la primera jornada de rodaje,en el muelle de submarinos.Cuando Ford llegó al plató parecía que hacía veinte años que la llevaba".

Marion Ravenwood (Karen Allen) ,compañera de Indiana en su primera aventura ("a tomboy",como en el mismo guión la describieron),no necesitaba de un vestuario femenino demasiado glamuroso.Pasa la mayor parte de la película con una casaca estampada y unos pantalones rojos ,probablemente comprados en cualquier puesto de algún mercado nepalí.Ni siquiera el vano esfuerzo del villano René Bellock por hacerla atractiva consigue transformarla en una dama cuando le regala aquel fantástico traje blanco(que más tarde usará como combustible para una antorcha).

Los nazis aparecen como villanos en dos de las partes de Indiana Jones.Nadoolman no tuvo que esforzarse demasiado a la hora de vestir al ejercito.Encontró auténticos uniformes alemanes de la Segunda Guerra Mundial en Texas.Un coleccionista privado se los vendió y tan solo tuvo que confeccionar los uniformes de algunos de los oficiales principales,como el siniestro nazi Toth y el Coronel Dietrich. Anthony Powell también consiguió uniformes auténticos para "The Last Crusade",esta vez en Europa del Este.

"The Temple of Doom" fue,bajo mi punto de vista,la mejor "vestida "de toda la saga.
La película arranca con el extrordinario "Anything Goes",que interpreta Willie Scott (Kate Capshaw).El inolvidable traje rojo oriental de pedrería es,sin duda,uno de los mayores logros de Powell para esta película.
Las coristas y bailarinas que aparecen en este número musical llevan fantásticos trajes de lentejuelas inspirados en los trajes de cabaret del Broadway de los años 30.

Esto cuenta Anthony Powell sobre su experiencia en "The Temple of Doom":

"Diseñar vestuario resulta más satisfactorio cuando un director es flexible.Por ejemplo,Steven Spielberg entra en la primera reunión de producción de una película,y tú tienes la sensación de que la lleva rodada en su cabeza.Pero descubrí que es muy abierto,y que si tienes una idea que le gusta,la incluirá en el rodaje.Al pincipio se había pensado que para el comienzo de "The Temple of Doom"los títulos de crédito aparecieran en la pantalla sobre Kate Capshaw,que estaría cantando en un nightclub de Shangai.Sugerí ampliar esa secuencia hasta convertirla en una especie de número a lo Busby Berkeley:sería divertido para Kate y no interferiría en la narración.Preparé unos bocetos y Steven dijo:"Sí,espléndido,hagámoslo".Y lo hicimos."

Anthony Powell dibujó maravillosos bocetos y "thumb nails" para la película.

Además se encargó de recrear la rica y pomposa corte del Maharahá de Pancot,llena de aristocratas hindúes que aparecen en la famosa secuencia de la "apetitosa" cena. Capshaw luce en esta secuencia un fantástico diseño en tonos dorados.El jóven Maharahá Zalin Singh lleva un extraordinario traje de gala hindú rojo,con priedras preciosas engarzadas.

Aparte del glamouroso ambiente del Club Obi Wan y de la opulenta corte del Maharahá,Powell vistió a todo un pueblo hindú con harapos en una paleta casi sin colores,gente que se confunde con el color del barro y de las piedras,reforzando la idea de tristeza por el secuestro de todos los niños del poblado.Más tarde,saris y caftanes de brillantes colores cambian por completo el aspecto de la gente,dando paso a la alegría que traen consigo al pueblo los niños finalmente rescatados.
Powell repitió en "The Last Crusade" y vistió con gran elegancia al Doctor Henry Jones,padre de Indiana,encarnado por Sean Connery que hace un extraordinario retrato de un patriarca Victoriano,siempre con su impecable traje y su sombrero de lana tweed confeccionado en Bergman's & Nathan's.

Por otra parte,la ambiciosa y sofisticada Elsa Schneider (Alison Doody),viste trajes de los años 40 que la convierten en una auténtica "femme fatale".El vestuario de Schneider en la secuencia del Cañón de la Media Luna la transforma en una implacable oficial nazi .

En la última entrega el tiempo ha pasado, y la acción transcurre en plena guerra fría. Zophres recrea el vestuario de los años 50 para los estudiantes de la Universidad.Los nazis han sido sustituidos por militares rusos,Marion Ravenwood (transformada en una Carmen Maura sesentona dispuesta a arrastrar a Indi hasta el altar...)cambia su casaca nepalí por un cómodo traje de lino tostado.Su hijo Mutt Williams (Shia LaBoeuf) ,se viste como Marlon Brando en "The Wild One" (salvando las distancias kilométricas).

Sin embargo,Indi aparece como siempre:cazadora de cuero,látigo y Fedora.

Theadora Van Runkle y "The Godfather:Part II".

En 1972 Francis Ford Coppola no era consciente de que "The Godfather" iba a constituir un hito en la historia del cine.Estaba creando la primera de las tres partes que narran la historia familiar más famosa del celuloide.
Todo comienza en 1901,cuando Vito Andolini (Vito Corleone) emigra de Sicilia a Estados Unidos,donde se convertirá en un despiadado jefe de la mafia,y acaba en 1997 con la muerte de un anciano Michael Corleone (hijo de Don Vito)en Sicilia,solo y bajo todo el peso de sus innumerables crímenes.
Un largo relato que abarca casi cien años de intrigas familiares,ejecuciones,traiciones y negocios sucios narrados con una coerencia extraordinaria e hilado de la manera más perfecta.

Los departamentos artísticos de estas tres películas hicieron un trabajo soberbio de ambientación y recreación de todos los lugares y épocas en que transcurre la historia:Sicilia a principios del siglo XX,Little Italy de los años 20 y los 80,La Habana precastrista de finales de los 50,Nueva York de los años 30,40 y 50,etc... .

El vestuario fue encomendado a tres diseñadoras distintas,una por cada una de las partes.Anna Hill Johnstone ("The Godfather"),Theadora Van Runkle ("The Godfather:Part II") y Milena Canonero ("The Godfather:Part III").
Todas hicieron un trabajo formidable,pero fue Van Runkle la diseñadora a la que se le encomendó la difícil tarea de vestir varias épocas para la segunda parte de esta saga,trabajo que resolvió de manera magistral.
Tipos rurales sicilianos de principios de siglo,las aduanas de Ellis Island llenas de inmigrantes de diferentes paises,una masificada comunión de los años 50 llena de invitados de alto copete,un fin de año en la embajada americana de Cuba,un juicio multitudinario y mucho más fue el reto que Van Runkle tuvo que afrontar.

Theadora van Runkle ,sin ninguna formación como diseñadora de vestuario ni más profesión que la de ilustradora comercial (sus dibujos son realmente exquisitos y muy codiciados por los coleccionistas)consiguió que le encargaran el vestuario de "Bonnie and Clyde"(Arthur Penn,1964),que le valió una nominación al Oscar y fue el comienzo de una brillante carrera.Le segurían películas como "The Arrangement"(Elia Kazan,1969),"Myra Breckinridge"(Michael Sarne,1970),"New York,New York"(Martin Scorsese,1977),"Peggy Sue Got Married"(Francis Frd Coppola,1986) entre otras.
Nunca ha conseguido el Oscar de la Academia,aunque ha sido nominada en tres ocasiones y dejó su actividad como diseñadora en 1999.Van Runkle tiene ahora 80 años.

Esto es lo que Van Runkle comenta acerca de su experiencia con Coppola en "The Godfather:Part II":
"Me encantó conocer a Francis Ford Coppola y trabajar en "The Godfather :Part II.

Francis fue muy amable conmigo y me concedió mucha libertad.Lo único que hice fue leerme el guión y hacer mis diseños.No le consulté nada.El primer día de rodaje en localizaciones fuimos al lago Tahoe a rodar la secuencia de la fiesta.Yo había vestido a Pacino con traje gris de seda (confeccionamos todo el vestuario de la película) y Francis esperaba que todos los que aparecían en escena llevaran esmoquin.Cuando me preguntó por qué no,le expliqué:"Es una fiesta de media tarde y están intentando convertirse en respetables anglosajones.Nunca llevarían esmoquin."Francis se dio la vuelta,se metió en su cabaña y cerró la puerta de un golpe.Salió quince minutos más tarde y dijo:"Me lo he pensado y creo que tienes razón".Fue capáz de ver a los personajes en el momento en que tomaban la decisión de vestirse así,intentando adaptarse a las costumbres de la etiqueta de la comunidad.Yo no había pensado en eso,solo era intuición.Dado que era un artista,Francis respetaba mis decisiones y contribuciones.No puedo imaginarme a un director actual que conceda al diseñador de vestuario tanta libertad."

Aquí tenéis algunos de los maravillosos figurines de Van Runkle para "The Godfather:PartII" y fotos de la película.

El Arte,fuente inagotable de inspiración (II).

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Siguiendo con el tema de la entrada anterior,he aquí algunos ejemplos más de cómo la pintura ha insprado a los diseñadores para crear algunos de sus diseños .


Milena Canonero es una de las más importantes diseñadoras de vestuario que ha dado la industria del cine.Su trabajo está vinculado a grandes películas como "A Clockwork Orange","The Shinning","Out of Africa","Dick Tracy" o "The Godfather III".Pero donde Canonero ha brillado de manera especial ha sido en las llamadas películas de época."Barry Lyndon","The Affair of the Necklace" o la reciente "Marie Antoniette" le han dado un especial prestigio y un destacado puesto en la creación de vestuario para este tipo de peliculas.
Suponemos que la buena relación que Canonero y Francis Ford Coppola mantuvieron en "Tucker:A Man and His Dream" y en "The Godfather III" hicieron que la hija de éste,Sophia Coppola,contara con la diseñadora para realizar el fastuoso vestuario de "Marie Antoinette",un bárbaro espectáculo visual que recrea con gusto exquisito la pomposa corte de los reyes Luis XVI y Maria Antonieta.Son espectaculares los trajes que Kirsten Dunst luce a lo largo del filme,algunos de los cuales estan inspirados en retratos de la propia reina.


Volviendo a Eiko Ishioka,de la que ya hablamos en la otra entrada,tomamos otro ejemplo de inspiración en el arte.En "Teresa,el Cuerpo de Cristo" Ishioka creó un traje para Paz Vega (que encarnaba a la mística Carmelitana) inspirado en un retrato de Francisco de Zurbarán.La maestría en el detalle y el realismo con que Zurbarán realizó el cuadro sirvieron a Ishioka para recrear las ricas telas que la acomodada Teresa viste antes de ingresar en el convento.


La animación también se ha beneficiado del Arte como fuente de inspiración para alguno de sus diseños.En "Enchanted" los artistas de Disney se basaron en los cuadros "Art Nouveau" del artista checo Alfons Maria Mucha para recrear uno de los vestidos que Giselle (Amy Adams) lleva cuando todavía es un personaje animado.


Piero Tosi ,recordado como uno de los mejores diseñadores de vestuario de la historia del cine,con trabajos tan importantes como "Morte a Venezia" o "Il Gatopardo",trabajó a las ordenes de directores como Luchino Visconti o Pier Paolo Passolini,con quien realizó el extraordinario vestuario de "Medea",única incursión en el cine de Maria Callas,que interpretó a la hechicera griega Medea.Tosi encontró fascinante la indumentaria popular de las mujeres salmantinas de La Alberca,y recreó un vestido muy parecido para el personaje de Medea.

En "Perfume:The Story of a Murderer" Pierre-Yves Gayraud se basó en el cuadro de Waterhouse "The Rose" para el traje de Damasco azúl que lleva Laura (Rachel Hurd-Wood).

Colleen Atwood ("The Silence of the Lambs","Little Women","Lemony Sniket's,A Series of Unfortunates Events","Memoirs of a Geisha"o "Chicago") es reconocida tambien por diseñar el vestuario de las peliculas de Tim Burton.
Para la fantástica "Sleepy Hollow",historia que se desarrolla a finales del siglo XVIII, Atwood diseñó un soberbio vestuario,destacando el realizado para Katrina Van Tassel (Christina Ricci) y el de Lady Van Tassel/Crone (Miranda Richardson).Para esta última,Atwood ideó un traje blanco y negro en nudos celtas (o Knotwork) para el final de la pelicula.
Existen varios cuadros que pudieron haber inspirado este traje .

El Arte,fuente inagotable de inspiración.

Dicen que la inspiración se experimenta cuando el artista es transportado más allá de su propia mente y recibe los pensamientos de los dioses,y es entonces cuando nuestros trabajos adquieren la categoría de sublime.No hay que llegar tan lejos.El simple hecho de contemplar obras de arte pueden poner en funcionamiento este mecanismo creativo,cuando solo se persigue la originalidad.Una obra inspira a otra y esta a otra,y así sucesivamente,en un ejercicio de reciclaje creativo constante que dura ya 14.000 años

Yvonne Blake es una diseñadora de probado prestigio profesinal,avalada por varios premios Goya y un Oscar de la Academia.La diseñadora confiesa pasar largos ratos en los museos en busca de información e inspiración para sus diseños.En su última película ,"Goya's Ghosts" recreó un traje que podemos ver en el Museo del Traje de Madrid.Se trata de una indumentaria popular femenina de finales del XVIII (particularmente bello) para Inés (Natalie Portman).En esta ocasión la diseñadora optó por reconstruirlo integramente y de manera casi fotocópica en un homenaje al propio traje.En "The Bridge of San Luis Rey",la actriz Kathy Bates,que interpretaba a la Marquesa,lució un traje inspirado en un famoso retrato de Madame de Pompadour,de François-Hubert Drouais.

La reconocida diseñadora japonesa Eiko Ishioka se inspiró en los cuadros de Gustav Klimt para diseñar la túnica que Drácula (Gary Oldman) luce al final de "Bram Stoker's Dracula".Una túnica elaborada en la técnica "patch work",que mezcla distintos tipos de tejidos e incrustaciones doradas.
Ishioka encontró un retrato de Margareth Bromsen del artista M.C. Hiert,en el que la aristócrata lucía un cuello y un tocado muy particular.Los transformó y adaptó para el traje de novia de Lucy (Sadie Frost),que será el que fatalmente le sirva de mortaja cuando Van Helsing (Anthony Hopkins) acabe definitivamente con ella.Para otra película,"Teresa,el cuerpo de Cristo",la diseñadora recreó una fantástica armadura azúl,en esta ocasión inspirada en un diseño realizado por Alberto Durero.La armadura original,su yelmo y los bocetos preparativos los pudimos ver hace un año en una exposición de la Fundación Caja Madrid y el Museo Tissen-Bornemisza.

George Lucas ha contado siempre con los mejores y más destacados artistas conceptuales en el desarrollo artístico de su saga "Star Wars".Para la primera de estas películas se contrató a John Mollo (Oscar por "Stars Wars" en 1977 y en 1982 por "Gandhi"),que diseñó un memorable vestuario,atemporal y muy original.Para el famoso villano de la película,Darth-Vader,Mollo diseñó un traje basado en la armadura del famoso samurai Date Masamune ,que se puede ver en el museo de Sendai.Lo demás ya es historia.

Soldaditos

La Guerra Civil española ha sido escenario más que recurrente en el cine español,desde "Raza",con guión del mismísimo Franco ,bajo el seudónimo de Jaime de Andrade(¡igualito que Paddy Chayefski!) hasta las recientes "Las 13 Rosas" o "Los Girasoles ciegos",pasando por "¡Ay,Carmela!" o "Libertarias".
Cuando se trata de "vestir" al ejercito en estas peliculas,el trabajo del diseñador de vestuario está más que resuelto,pues Cornejo (la mayor casa de vestuario de España)posee un stock muy surtido,fruto de todas estas producciones inspiradas en el mismo periodo histórico.Para una obra de teatro (que al final no se hizo) tuve que documentarme al respecto.Desafortunadamente el Museo del Ejercito de Madrid lo cerraron.Allí podía contemparse uniformes del ejercito de Carlos III, armas de cualquier época, ¡Incluso una auténtica armadura de samurai!.

Gumersindo Andrés ("Madregilda") me dejó un libro,muy apreciado por los fanáticos de efectos militares,ilustrado por José María Bueno(:S) pero bastante bien documentado.Fue de ahi y de otros libros de donde pude sacar algunas cosas ,como las que os cuelgo hoy.

Por lo general son uniformes bastante feos y aburridos aunque,eso sí,todos tienen sus zapatitos bien relucientes.

"Les Liaisons dangereuses"

Choderlos de Laclos (1741-1803) se une al General Lee Wallace ("Ben-Hur") en la listade militares con dotes literarias.Su proyecto soñado era «escribir una obra que se salga de lo corriente, que haga mucho ruido, y que siga resonando sobre la tierra cuando yo haya muerto»; desde este punto de vista se cumplieron sus deseos, porque el éxito que alcanzó su obra maestra perdura hasta nuestros días: "Les Liaisons dangereuses",una de las obras maestras de la literatura galante del siglo XVIII y que describe las intrigas de la aristocracia de la época.

La Marquesa de Merteuil y el Vizconde de Valmont (dos personajes depravados) no dejan de enviarse cartas a lo largo de toda la historia que se narra en el libro ,en las que se cuentan sus hazañas, que constituyen la trama de la historia.La marquesa, harta de escuchar los alardes de Valmont sobre sus aptitudes seductoras le reta a seducir a la más virtuosa de las mujeres conocidas en la sociedad ,Madame de Tourvel.
La novela continúa en una espiral de seducciones maquiavélicas hasta un desenlace fatal.

El cine ha adaptado en varias ocasiones esta novela,siendo las más conocidas las dirigidas por Milos Forman y la de Stephen Frears.El vestuario en ambas ocasiones se puede calificar de brillante,siendo Theodor Pistek("Amadeus")el encargado del diseño de la primera y James Acheson("The Last Emperor") de la dirigida por Frears,por la que ganó el premio de la Academia.

He aquí una versión (bastante libre) de algunos de los personajes principales de esta novela epistolar tan cargada de malas intenciones.

¡El Mayor Espectáculo del Mundo!

El pasado mes de marzo el Teatro Circo Price de Madrid estrenó un nuevo espectáculo:"Rocinante".Una historia de guión imposible y poco apropiada como función circense.Para las labores de vestuario contrataron al figurinista Pedro Moreno,con quien actualmente trabajo en estos mismos menesteres vestuariles. Junto a él hice versiones de la indumentaria encargada,no solo para los cómicos de "Rocinante",sino también para la plantilla fija del Circo: Músicos,Payasos,Jefe y mozos de pista,etc. .Fue un trabajo muy divertido,y el resultado de los diseños del maestro Moreno fue sobresaliente.
Aquí dejo algunas de mis versiones.Espero que os gusten.

Homenaje a Federico Chueca:Las Aguadoras y las Beatas.

En el centenario de la muerte del compositor Federico Chueca, la Compañía de MªDolores Font Marcos rindió un homenaje a sus zarzuelas más populares de la mano del director Ángel Fernández Montesinos .El espactáculo se llamó "El Gran Género Chico",e inauguró la Temporada de Zarzuela del Teatro Fernán Gómez de Madrid este verano.
Se hizo una selección de los mejores textos del compositor español, entre los que se encuentran 'La Gran Vía', , 'El Bateo', 'La Lola' ,'Agua azucarillos y aguardiente'o 'La alegría de la huerta'.
De estos dos últimos números hice una reinterpretación,basada en la idea original de Pedro Moreno,de los personajes de las Aguadoras y de las Beatas.
El número de estas últimas fue,a mi juicio,lo más divertido del espectáculo.Se trata de una satirización de un grupo de fanáticas religiosas de principio de siglo.Más de treinta cantantes (entre hombres y mujeres)vestidos con el mismo atuendo comienzan el número con unos cantes religiosos en latín de lo más místico,para dar paso a una divertida música con una letra muy irreverente.¡Impresionante en escena!.
Estos dibujos estan hechos en DIN-A3,por lo que he tenido que componermelas para unir partes escaneadas en DIN-A4,así que debo disculparme por la chapuza perpetrada con ¡el Paint!.

"Gone With The Wind":Walter Plunkett y el traje Honeymoon.

A pesar de haber recibido diez premios de la Academia,el vestuario de Gone with the Wind no recibió ninguno de ellos .Bien es cierto que en 1939 no había sido creada la categoría de mejor vestuario,por lo tanto ninguna película pudo optar al galardón hasta 1948.
Walter Plunkett fue el artífice del fantástico vestuario.Extraordinarios,( inolvidable el traje verde de Scarlett hecho con las cortinas de terciopelo o el sobrio luto que vestía mientras bailaba en la fiesta benéfica ante el estupor y asombro de todos los presentes )sus diseños permanecerán en nuestra retina para siempre.Puede que el que os muestro no sea de los más conocidos,pero en mi opinión es uno de los mejores que Scarlett tiene en su "fondo de armario":el llamado traje Honeymoon .
Los figurines de Walter Plunkett no son espectaculares (en la ejecución del dibujo en sí)pero todos podemos admirar el resultado final de su trabajo en la película: Simplemente brillante.Hay tiendas especializadas en merchandising de Gone with the Wind .Infinitos artículos (desde reproducciones de los fiigurines,hasta ¡galleteras con el busto de Rhett Butler!)que los coleccionistas pueden encontrar a precios,en ocasiones,astronómicos.El propio sombrero que lucía Scarlett con este traje fue subastado en Ebay hace un par de años y presentaba un lamentable estado de conservación.

Otra de Mozart.Sarastro.

Sarastro es otro personaje de la ópera La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart. Es un villano atípico,ya que en un principio parece un sacerdote malvado que vive en un recóndito castillo, pero a lo largo de la trama se ve que quería salvar a Pamina de la manipulación de su malvada madre, la Reina de la noche. Finalmente logra convencer a Tamino y a Pamina, a los que convierte a su religión.
He encontrado nuevos dibujos para colgar en esta entrada.Algunos diseños alternativos de Sarastro y Monostatos (Sirviente y guardián eunuco del harén de Sarastro y auténtico villano de la función).También versiones de los guardianes de Sarastro y de los Sacerdotes.